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Stéphane Audran · 85 ans

Stéphane Audran est une actrice française, née le 8 novembre 1932 à Versailles, France, et morte le 27 mars 2018 à Neuilly-sur-Seine, France.Stéphane Audran, une actrice associée au cinéma français d’après-guerreStéphane Audran étudie l’art dramatique à Paris et apparaît au cinéma à la fin des années 1950. Elle figure dans Le Jeu de la nuit, court métrage de Daniel Costelle, puis dans Les Cousins, réalisé par Claude Chabrol et sorti en 1959. Elle apparaît également dans Les Bonnes Femmes, où elle interprète Ginette, l’une des jeunes femmes autour desquelles le film est construit.Au début de sa carrière, Stéphane Audran travaille avec plusieurs cinéastes liés au renouvellement du cinéma français. Elle joue dans Le Signe du Lion, premier long métrage d’Éric Rohmer, puis retrouve Claude Chabrol dans L’Œil du Malin et Landru. Son jeu s’inscrit rapidement dans un registre fait de retenue, de précision et d’ambiguïté, qualités que plusieurs de ses rôles placent au centre de récits sentimentaux, criminels ou sociaux.Stéphane Audran et les films de Claude ChabrolLa filmographie de Stéphane Audran est fortement liée à celle de Claude Chabrol. Elle tourne avec lui dans de nombreux films, parmi lesquels Les Biches, La Femme infidèle, Le Boucher, La Rupture, Juste avant la nuit, Les Noces rouges, Violette Nozière, Le Sang des autres, Poulet au vinaigre, Betty et La Fille coupée en deux. Ces collaborations occupent une place majeure dans la représentation des milieux bourgeois, des tensions familiales et des dissimulations sociales dans l’œuvre du cinéaste.Dans Les Biches, sorti en 1968, Stéphane Audran interprète Frédérique, personnage central d’un triangle affectif situé à Saint-Tropez. Elle reçoit pour ce rôle l’Ours d’argent de la meilleure actrice au Festival de Berlin. Dans Le Boucher, elle joue Hélène, institutrice dont la relation avec un boucher de village se développe autour d’un climat de trouble et de menace. Le rôle compte parmi les plus associés à son image d’actrice.Stéphane Audran dans le cinéma internationalStéphane Audran apparaît dans Le Charme discret de la bourgeoisie, réalisé par Luis Buñuel et sorti en 1972. Le film reçoit l’Oscar du meilleur film en langue étrangère, tandis que Stéphane Audran obtient le BAFTA de la meilleure actrice pour Le Charme discret de la bourgeoisie et Juste avant la nuit. Cette reconnaissance accompagne une carrière déjà installée en France et visible dans les festivals internationaux.Elle joue également dans Le Cri du sorcier de Jerzy Skolimowski, The Big Red One de Samuel Fuller, Coup de torchon de Bertrand Tavernier, Mortelle randonnée de Claude Miller et Poulet au vinaigre de Claude Chabrol. En 1987, Stéphane Audran tient le rôle-titre de Le Festin de Babette, film danois réalisé par Gabriel Axel. Le film reçoit l’Oscar du meilleur film en langue étrangère, et son personnage de Babette Hersant devient l’un de ses rôles les plus connus hors de France.Distinctions et rôles marquants de Stéphane AudranStéphane Audran reçoit le César de la meilleure actrice dans un second rôle pour Violette Nozière, réalisé par Claude Chabrol et sorti en 1978. Elle y interprète Germaine Nozière, mère du personnage joué par Isabelle Huppert. Ce prix s’ajoute à l’Ours d’argent de Les Biches et au BAFTA obtenu pour Le Charme discret de la bourgeoisie et Juste avant la nuit.Sa carrière comprend aussi des rôles dans Vincent, François, Paul… et les autres, Les Saisons du plaisir, Arlette, Madeline, Belle maman, Le Pique-nique de Lulu Kreutz, Ma femme s’appelle Maurice et La Fille de Monaco. À la télévision, Stéphane Audran apparaît notamment dans Brideshead Revisited, Mistral’s Daughter, The Sun Also Rises, La Bicyclette bleue et Sissi, l’impératrice rebelle.Famille et collaborations de Stéphane AudranStéphane Audran a été mariée à Jean-Louis Trintignant, puis à Claude Chabrol. Avec Claude Chabrol, elle a un fils, Thomas Chabrol, également acteur. Cette présence familiale se retrouve dans une partie du cinéma français, notamment à travers les films de Claude Chabrol auxquels participent Thomas Chabrol et, pour la musique, Matthieu Chabrol.Dans les génériques, Stéphane Audran croise régulièrement des acteurs comme Jean Yanne, Michel Bouquet, Jean-Pierre Cassel, Michel Piccoli, Isabelle Huppert, Michel Serrault et Jean Poiret. Sa filmographie traverse plusieurs décennies de cinéma français et européen, avec une présence identifiable dans des rôles où l’élégance apparente laisse souvent peu de place à la tranquillité.

John Brancato · 68 ans

John Brancato, né le 8 novembre 1958 aux États-Unis, est un scénariste américain dont le nom n’est pas forcément connu du grand public, mais qui se cache derrière plusieurs films à gros budget produits par Hollywood.Spécialisé dans les scénarios de thrillers et de films d’action, John Brancato a souvent travaillé en tandem avec Michael Ferris, formant un duo prolifique dans les années 1990 et 2000. Même si sa plume n’a pas toujours fait l’unanimité chez les critiques, il reste associé à plusieurs franchises importantes et à des films qui, qu’on les aime ou non, ont marqué le paysage cinématographique par leur ambition et leur efficacité narrative.Un duo de scénaristes derrière des succès grand publicLa carrière de John Brancato est étroitement liée à celle de Michael Ferris, avec qui il a coécrit plusieurs scénarios pour le cinéma. Ensemble, ils ont participé à l’écriture de The Net (Traque sur Internet, 1995), un thriller technologique avec Sandra Bullock, sorti à une époque où l’Internet faisait encore figure de nouveauté pleine de mystère. Le film rencontre un succès commercial, et marque leur première incursion notable à Hollywood.Le duo enchaîne ensuite avec The Game (1997), réalisé par David Fincher et porté par Michael Douglas. Ce thriller psychologique, complexe et déroutant, reste l’un des projets les plus salués de leur carrière. Même si le scénario a été retouché par Fincher, la structure narrative imaginée par John Brancato et son partenaire sert de base à un film devenu culte.Par la suite, leur travail s’oriente de plus en plus vers les films d’action et les franchises. Ils signent notamment les scénarios de Terminator 3: Rise of the Machines (2003) et Terminator Salvation (2009). Deux épisodes controversés de la saga, qui divisent les fans, mais qui restent techniquement ambitieux et narrativement cohérents avec l’univers développé depuis T2. On peut ne pas adhérer à toutes les orientations prises, mais le duo a eu la tâche ingrate de faire vivre une franchise mythique… sans James Cameron aux commandes.Une écriture calibrée pour l’industrie hollywoodienneLe style de John Brancato, souvent associé à celui de Ferris, se distingue par une narration structurée, efficace, et clairement pensée pour le grand public. Il ne s’agit pas ici d’explorer les méandres poétiques de l’âme humaine, mais bien de construire des récits solides, rythmés, capables de tenir la route dans un blockbuster de deux heures.Cela implique parfois une certaine prévisibilité, des dialogues fonctionnels plus que brillants, et un recours à des structures narratives éprouvées. Mais c’est aussi ce qui fait leur succès commercial : leur capacité à écrire « dans le système », à livrer des scripts répondant aux attentes des studios, tout en y glissant parfois une touche de subversion (comme dans The Game, où le spectateur est constamment manipulé).Leur travail reste donc symptomatique d’une certaine écriture hollywoodienne, pragmatique, orientée vers la production, parfois formatée, mais parfaitement adaptée au marché.Un scénariste discret, peu exposé médiatiquementContrairement à d’autres figures du scénario qui aiment commenter leurs œuvres ou analyser leur processus créatif, John Brancato reste plutôt discret. Il ne donne que rarement des interviews, n’est pas particulièrement présent sur les réseaux sociaux, et laisse son travail parler pour lui.C’est un choix cohérent avec sa carrière : loin des feux de la rampe, il œuvre dans l’ombre des grandes productions, souvent comme co-scénariste ou script doctor. Il est d’ailleurs probable que son nom figure aussi sur des projets pour lesquels il n’est pas officiellement crédité, comme c’est souvent le cas à Hollywood.Cette posture lui permet peut-être aussi de rester en dehors des polémiques qui accompagnent parfois les suites ou les remakes de franchises très exposées. Car si Terminator 3 et Salvation ont été contestés, ils restent des œuvres majeures de l’univers SF des années 2000, et ont trouvé leur public.Une carrière marquée par les franchises et les thrillers technologiquesCe qui ressort, au fil du temps, c’est l’affinité de John Brancato pour certains thèmes récurrents : les technologies, les identités mouvantes, les manipulations, les réalités troubles. Que ce soit dans The Net, The Game ou Terminator, il s’agit souvent de personnages confrontés à un monde qu’ils ne contrôlent plus, à des forces qui les dépassent.Un thème finalement très contemporain, et qui donne une cohérence souterraine à ses travaux. Même si le traitement varie d’un film à l’autre (parfois très grand public, parfois plus conceptuel), John Brancato explore les angoisses modernes sous une forme narrative accessible et souvent spectaculaire.

Richard Curtis · 70 ans

Richard Curtis, né le 8 novembre 1956 à Wellington (Nouvelle‑Zélande), est un scénariste, réalisateur, producteur et activiste britannique. Il grandit dans différentes villes à travers le monde, notamment aux Philippines, en Suède et enfin au Royaume‑Uni, un parcours qui façonne son regard humaniste. Diplômé d’Oxford en lettres, il y croise Rowan Atkinson, avec qui il collabore sur des projets comme Not the Nine O’Clock News, la série culte Blackadder et Mr. Bean. Curtis se distingue au cinéma dans les années 1990 grâce à des comédies romantiques emblématiques. Il écrit Quatre mariages et un enterrement (1994), Coup de foudre à Notting Hill (1999), Le Journal de Bridget Jones (2001) et Love Actually (2003), dont il signe également la réalisation. Ces œuvres, souvent mises en scène par Working Title, s’imposent comme références du genre, alliant humour, romance et émotion, ce qui lui vaut plusieurs nominations aux Oscars, BAFTA et Golden Globes. Au-delà de la comédie, Curtis explore d’autres registres : il co-écrit le drame de guerre War Horse (2011) pour Steven Spielberg, crée The Boat That Rocked (2009) et réalise About Time (2013), une comédie romantique teintée de fantastique. Il signe aussi Yesterday (2019), une fantaisie imaginant un monde sans Beatles, et revient en 2024 avec le film familial That Christmas. Parallèlement, il a écrit pour la télévision et adapté des œuvres pour enfants : The Vicar of Dibley, The Girl in the Café (Emmy de la meilleure écriture) et un épisode marquant de Doctor Who (Vincent et le Docteur, 2010). Il crée également des ouvrages jeunesse comme That Christmas, adaptés au cinéma. Richard Curtis est cofondateur avec Sir Lenny Henry de la célèbre association Comic Relief, qui a permis de récolter plus d’un milliard de livres pour la lutte contre la pauvreté. Il est par ailleurs engagé dans des campagnes pour la justice climatique (No Pressure, 2010) ou le « Tobin tax » (Robin Hood Tax). Récompensé par un BAFTA Fellowship en 2007, un Humanitarian Award en 2008 et le prestigieux Jean Hersholt Humanitarian Award des Oscars en 2024, Richard Curtis est reconnu autant pour son talent créatif que pour son engagement social. Il vit à Londres avec son épouse Emma Freud (mariés en 2023) et leurs quatre enfants, dont la militante Scarlett Curtis.

Nia DaCosta · 37 ans

Nia DaCosta, née le 8 novembre 1989 à New York City, aux États-Unis, est une scénariste et réalisatrice américaine dont le parcours illustre avec force la montée en puissance d’une nouvelle génération de cinéastes afro-américaines, conscientes des enjeux sociaux tout en étant pleinement ancrées dans les codes du cinéma de genre.En quelques films seulement, Nia DaCosta a su imposer une signature singulière, mêlant tension narrative, regard politique et sens aigu de la mise en scène. Elle s’inscrit dans un courant de réalisateurs et réalisatrices qui repensent les genres traditionnels, horreur, thriller, action, pour y injecter des problématiques contemporaines, sans pour autant sacrifier le plaisir cinématographique. Une équation difficile, mais que Nia DaCosta aborde avec un naturel déconcertant.Des débuts remarqués avec Little WoodsC’est avec Little Woods (2018), son premier long-métrage, que Nia DaCosta attire l’attention du public et de la critique. Ce drame indépendant, à la frontière du western social, explore la précarité dans l’Amérique rurale à travers le destin de deux sœurs confrontées à la pauvreté, au système de santé défaillant et à la violence économique du quotidien.Réalisé avec un budget modeste, le film impressionne par sa maîtrise visuelle, la finesse de sa direction d’acteurs (notamment Tessa Thompson) et sa manière de traiter des sujets lourds sans jamais tomber dans le misérabilisme. Déjà, Nia DaCosta révèle un style précis, presque clinique, mais jamais froid.Ce premier film, largement salué dans les festivals, lui ouvre les portes d’Hollywood, dans un contexte où les studios cherchent de nouvelles voix, notamment féminines et issues de la diversité, pour réinventer leurs productions.Candyman : quand l’horreur devient politiqueEn 2021, Nia DaCosta passe à la vitesse supérieure avec Candyman, produit par Jordan Peele et présenté comme une « suite spirituelle » du film culte de 1992. Si le projet aurait pu n’être qu’un simple reboot, elle en fait au contraire une relecture contemporaine, ancrée dans les réalités sociales du Chicago d’aujourd’hui.Le film aborde frontalement des thématiques telles que la gentrification, la mémoire raciale, la violence policière et la place des artistes afro-américains dans un monde urbain en mutation. Et tout cela, sans renier les codes du film d’horreur : tension, symbolique du miroir, effroi progressif. Nia DaCosta y démontre sa capacité à manier le genre avec intelligence, tout en injectant un propos qui dépasse largement le simple cadre du divertissement.C’est le genre de film qui fait réfléchir autant qu’il fait sursauter. Et dans cette dualité, Nia DaCosta trouve sa voix propre.Une ascension rapide dans l’univers des studiosGrâce au succès critique et commercial de Candyman, Nia DaCosta est rapidement propulsée vers des projets plus ambitieux. Elle devient la première femme noire à réaliser un film de l’univers cinématographique Marvel, avec The Marvels, une suite mêlant science-fiction, action et super-héroïnes.Un saut impressionnant, surtout quand on connaît l’ampleur logistique et marketing de ce type de productions. Même si ce genre de films est souvent fortement encadré par les studios, Nia DaCosta y apporte sa touche : sens du rythme, attention aux enjeux identitaires, et gestion précise des relations entre personnages féminins, loin des archétypes classiques.Cette expérience lui permet d’entrer dans un cercle encore fermé de réalisatrices capables d’évoluer aussi bien dans le cinéma indépendant que dans les franchises à gros budget. Et surtout, elle ouvre la voie à d’autres, en prouvant qu’on peut passer de récits intimistes à des univers intergalactiques sans perdre son identité créative.Une voix singulière dans le paysage hollywoodien contemporainCe qui distingue Nia DaCosta, c’est cette capacité à naviguer entre différents registres sans se diluer. Elle n’est pas là pour cocher des cases ou pour incarner une tendance, mais bien pour raconter des histoires. Des histoires souvent ancrées dans des réalités sociales complexes, mais racontées à travers des genres populaires qui les rendent accessibles.Elle s’inscrit dans une nouvelle vague de cinéastes afro-américains qui utilisent le cinéma de genre pour parler du monde réel : Jordan Peele, Ava DuVernay, Barry Jenkins, ou encore Ryan Coogler. Mais elle conserve une approche bien à elle : plus sobre, plus introspective parfois, mais toujours tendue vers une vision précise.

Boaz Davidson · 83 ans

Boaz Davidson, né le 8 novembre 1943 à Tel-Aviv, en Israël, est un réalisateur, scénariste et producteur israélo-américain. S’il est peu connu du grand public en tant que nom en haut de l’affiche, Boaz Davidson fait pourtant partie de ces figures industrielles du cinéma qui, dans l’ombre, participent activement à la fabrication de dizaines de films, parfois modestes, parfois très rentables, souvent musclés.Sa carrière est marquée par une double trajectoire : d’abord en tant que réalisateur populaire dans le cinéma israélien des années 1970, puis comme producteur et scénariste à Hollywood, en particulier à travers sa collaboration avec la société Millennium Films, spécialisée dans les films d’action à l’ancienne. Bref, Boaz Davidson, c’est un peu le pont discret entre le cinéma de quartier des années 70 et le blockbuster d’action des années 2000.Une figure culte du cinéma israélien populaireAvant de produire des explosions en série à Hollywood, Boaz Davidson s’est d’abord fait un nom dans son pays natal. Dans les années 1970, il est l’un des visages majeurs de la comédie israélienne grand public, notamment grâce à la saga Eskimo Limon (Lemon Popsicle, 1978), un teen movie nostalgique situé dans les années 1950 à Tel-Aviv.Ce film connaît un immense succès en Israël, puis dans plusieurs pays d’Europe, et donne lieu à une impressionnante série de suites et de remakes. L’inspiration est claire : des adolescents, du rock’n’roll, des premières amours maladroites… Un air de American Graffiti, mais avec une touche locale bien assumée.À travers ces films, Boaz Davidson capte une certaine mémoire populaire israélienne, mêlant humour grivois, mélancolie légère et observation du passage à l’âge adulte. Même si ces productions ne visent pas le prestige des festivals, elles rencontrent leur public et installent Davidson comme un réalisateur efficace et fédérateur.Une transition vers Hollywood et le cinéma d’actionAu début des années 1980, Boaz Davidson quitte Israël pour les États-Unis. Il commence par travailler comme scénariste et consultant sur des projets variés, puis finit par devenir une figure-clé chez Cannon Films, célèbre pour ses films d’action à petit budget mais à grand effet, souvent avec Chuck Norris, Charles Bronson ou Jean-Claude Van Damme.On lui doit notamment le remake américain de Lemon Popsicle, intitulé The Last American Virgin (1982), qui garde l’ossature du film original tout en transposant l’histoire dans une ambiance californienne plus conforme aux codes du teen movie américain.Mais c’est surtout comme producteur que Boaz Davidson s’impose à partir des années 1990, en rejoignant Nu Image, qui deviendra plus tard Millennium Films, société spécialisée dans les films d’action “à l’ancienne”, comprenez : des explosions, des fusillades, et des héros très musclés. Parmi les titres produits sous sa supervision : The Expendables, Rambo IV, Olympus Has Fallen, London Has Fallen, Mechanic: Resurrection, et bien d’autres.Ce sont des productions calibrées, souvent critiquées pour leur manque de subtilité… mais aussi très rentables et destinées à un public fidèle, amateur de sensations fortes et de récits sans fioritures.Un producteur discret mais redoutablement efficaceBoaz Davidson, ce n’est pas le genre à courir les plateaux télé ou les tapis rouges. Son travail est avant tout en coulisses : repérage de projets, encadrement de tournages, gestion de budgets, et parfois réécriture de scripts. Il fait partie de ces professionnels de l’industrie qui préfèrent faire que dire. Et force est de constater que sa méthode fonctionne.Il n’a pas la réputation d’un auteur, ni la volonté de l’être. Il se place plutôt du côté de ceux qui font tourner la machine. Avec lui, le cinéma est un métier, une affaire sérieuse, mais aussi un divertissement assumé. Cela n’empêche pas une certaine fidélité à ses origines : plusieurs de ses productions gardent un regard tourné vers l’Europe ou le Moyen-Orient, que ce soit dans les lieux de tournage ou dans les thématiques secondaires.En résumé, Boaz Davidson sait comment produire vite, à moindre coût, et sans perdre de vue l’essentiel : que le public en ait pour son argent.

Alain Delon · 88 ans

Alain Fabien Maurice Marcel Delon, né le 8 novembre 1935 à Sceaux, dans les Hauts-de-Seine (France) et décédé le 18 août 2024, était un acteur, producteur et ancien réalisateur français, considéré comme l’une des figures majeures du cinéma hexagonal du XXe siècle. Très vite propulsé au rang de star, Alain Delon n’a jamais été un simple acteur : il est devenu une image, une attitude, presque un mythe.Doté d’un charisme magnétique, d’un regard perçant et d’une beauté que même ses détracteurs s’accordent à reconnaître comme hors norme, Alain Delon a marqué le cinéma français et international à travers des rôles inoubliables, souvent ambigus, parfois inquiétants, mais toujours intenses. Son nom est aujourd’hui associé à une certaine idée du style, de la virilité distante et d’un cinéma où le silence valait souvent plus que mille mots.Une ascension fulgurante dans le cinéma des années 1960Les débuts d’Alain Delon sont presque légendaires. Après un passage par la marine et une vie un peu bohème, il est remarqué par hasard lors du Festival de Cannes. Il débute dans les années 1950, mais c’est au tournant des années 1960 que sa carrière décolle vraiment. Son rôle dans Plein soleil (1960), adapté du Talentueux Mr. Ripley de Patricia Highsmith, révèle au public un jeune homme aussi fascinant que dangereux, à la beauté glaciale. Ce personnage marquera durablement son image.S’ensuivent des collaborations avec les plus grands réalisateurs de l’époque : Luchino Visconti dans Rocco et ses frères (1960) puis Le Guépard (1963), Jean-Pierre Melville dans Le Samouraï (1967), Michelangelo Antonioni, René Clément, Joseph Losey, et bien d’autres. Il alterne films d’auteur exigeants et grands succès populaires, dans un équilibre que peu d’acteurs ont su maintenir aussi longtemps.Son jeu, souvent minimaliste, presque mutique, repose autant sur la présence que sur l’expression. Alain Delon sait captiver la caméra sans bouger, incarner la tension d’un personnage par une simple posture. Il devient ainsi l’archétype du « héros solitaire », figure centrale de plusieurs chefs-d’œuvre du polar français.Une filmographie riche, entre polar, drame et introspectionAu fil des décennies, Alain Delon s’impose comme une valeur sûre du box-office français. Il tourne dans des films devenus cultes comme La Piscine (1969), Le Cercle rouge (1970), Borsalino (1970), ou encore Monsieur Klein (1976). Il y joue souvent des personnages en marge, habités par une forme de noirceur intérieure, comme s’il portait le poids de quelque chose d’inavouable.Ses collaborations avec Jean-Pierre Melville et Joseph Losey sont parmi les plus saluées pour leur rigueur esthétique et leur exigence morale. Mais Alain Delon ne se limite pas à ces rôles élégants et énigmatiques : il explore aussi des facettes plus rugueuses, plus populaires, notamment dans des films policiers des années 1980 où il incarne des flics désabusés, presque fatigués du monde.Dans Notre histoire (1984), sous la direction de Bertrand Blier, il s’éloigne de son image classique pour livrer une performance plus fragile, plus désespérée, qui lui vaudra un César du meilleur acteur. Preuve qu’au-delà de l’icône, il y a aussi un comédien capable de nuances.Un homme d’affaires, producteur et stratège de sa propre imageAlain Delon n’est pas seulement un acteur : il a très tôt compris l’importance de contrôler sa carrière. Il devient producteur dès les années 1970, fonde sa propre société de production et se montre très impliqué dans les choix artistiques et commerciaux de ses films. C’est l’un des premiers comédiens français à penser sa carrière comme une marque personnelle.Il ne cache pas son goût pour l’indépendance, parfois au prix de l’isolement. Cette posture lui vaut une certaine admiration, mais aussi quelques tensions avec le milieu du cinéma, qu’il juge parfois trop conformiste. Il est aussi connu pour ses déclarations tranchées, voire polémiques, et une attitude souvent perçue comme hautaine. Mais ces aspérités font partie intégrante du « personnage Delon », qu’il a toujours cultivé sans compromis.Il diversifie ses activités : parfum, montres, lunettes… Le nom Alain Delon devient un label, au-delà même du cinéma.Une image complexe entre légende vivante et sujet de débatAvec le temps, Alain Delon est devenu un symbole culturel autant qu’un acteur. Il incarne une époque, un style, un certain rapport à la virilité et à la solitude. Sa silhouette dans un imperméable, son regard fuyant, sa voix grave, tout cela appartient à l’imaginaire collectif.Mais il divise aussi. Certains le considèrent comme l’une des dernières grandes figures du cinéma français « classique », d’autres lui reprochent une forme de conservatisme, voire certaines positions médiatiques controversées. Ce qui est certain, c’est qu’il ne laisse personne indifférent.En 2019, la remise d’une Palme d’honneur à Alain Delon à Cannes relance le débat sur la distinction entre l’homme et l’artiste. Lui, fidèle à lui-même, assume tout, les critiques, les hommages, les silences, sans chercher à séduire.Une figure incontournable de l’histoire du cinéma françaisQue l’on apprécie ou non son style, Alain Delon a profondément marqué le cinéma français, et même européen. Il est l’un des rares acteurs français à avoir connu une véritable renommée internationale tout en conservant une base solide dans l’Hexagone. Son image a traversé les générations, influençant aussi bien le cinéma que la mode ou la musique.Et même si sa carrière s’est ralentie au fil des années, Alain Delon reste une présence, un mythe, une énigme. Un de ces rares artistes dont le simple nom évoque instantanément une époque, une esthétique, un tempérament.Un acteur ? Oui. Une légende ? Sans doute. Un homme, aussi, complexe, entier, insaisissable, à l’image des personnages qu’il a incarnés pendant plus de cinquante ans.

Jocelin Donahue · 45 ans

Née le 8 novembre 1981 à Bristol, dans le Connecticut (États‑Unis), Jocelin Donahue est une actrice et mannequin diplômée en sociologie de l’université de New York. Elle est principalement reconnue pour son interprétation de Samantha Hughes dans le film d’horreur The House of the Devil (2009), un rôle qui lui a valu le prix de la meilleure actrice au Screamfest de Los Angeles.Une carrière marquée par l’horreur et les rôles indépendantsDès ses débuts, elle apparaît dans The Burrowers (2008), puis tient le rôle principal dans The House of the Devil, réalisé par Ti West, un film emblématique qui joue avec les codes du slasher et du film hanté tout en rendant hommage aux techniques des années 1970 et 1980. Sa filmographie s’étoffe au fil des années avec des projets divers, allant de Wes and Ella à Knight of Cups de Terrence Malick, ou encore Insidious: Chapter 2, où elle incarne la version jeune du personnage de Barbara Hershey.Elle poursuit avec des films comme The Frontier, Furious 7, Doctor Sleep, puis plus récemment Offseason (2022) et The Last Stop in Yuma County (2023). Une participation notable dans Live at the Foxes Den en 2013 marque également une incursion dans le drame indie.Une présence à la fois à l’écran et dans les médiasOutre le cinéma, Jocelin Donahue apparaît à la télévision, notamment dans Not Another High School Show (2007), CSI en 2010, ou la série StartUp en 2016. Elle prête également son image à de nombreuses campagnes publicitaires pour des marques comme Apple, Levi’s, Zune ou Subway.

Phil Fondacaro · 68 ans

Phil Fondacaro, né le 8 novembre 1958 à La Nouvelle-Orléans, en Louisiane (États-Unis), est un acteur américain dont la carrière s’étend sur plusieurs décennies.Ce qui le rend immédiatement reconnaissable, au-delà de sa filmographie variée, c’est sa stature, il est atteint d’achondroplasie, mais aussi, et surtout, son talent à incarner des rôles très différents, dans des univers parfois aux antipodes. Phil Fondacaro, c’est ce genre d’acteur qu’on ne repère pas immédiatement par son nom, mais dont les rôles, eux, marquent durablement les spectateurs.Avec une carrière construite aussi bien dans les films fantastiques que dans les séries télévisées, en passant par la comédie ou l’horreur, Phil Fondacaro s’est imposé comme un visage familier du cinéma de genre. Et pas uniquement parce qu’il a souvent porté des costumes ou joué sous du maquillage…Une entrée remarquée dans le monde du cinéma fantastiquePhil Fondacaro débute au cinéma dans les années 1980, une époque particulièrement propice aux films de science-fiction, de fantasy et d’horreur à petit ou moyen budget. Des genres dans lesquels il va rapidement trouver sa place. L’un de ses premiers rôles marquants, c’est l’Ewok dans Star Wars: Episode VI, Return of the Jedi (1983). Un rôle muet et masqué, certes, mais qui le fait entrer dans une franchise culte. Pas mal comme première carte de visite.Par la suite, il enchaîne avec une série de films qui ont souvent acquis un statut culte chez les amateurs : Ghoulies II, Troll, Willow (où il incarne Vohnkar), ou encore Bordello of Blood. Ces films, parfois kitsch, souvent marginaux dans le circuit hollywoodien, sont devenus des classiques du cinéma de vidéoclub, et Phil Fondacaro en est l’un des visages récurrents. Il y tient des rôles variés, parfois comiques, parfois inquiétants, mais toujours pleins de personnalité.Dans Troll, par exemple, il est à la fois dans le costume du monstre… et dans celui de Malcolm, un voisin solitaire et mélancolique. Ce rôle, bien que secondaire, est l’un des plus nuancés du film et montre déjà sa capacité à apporter de l’émotion dans un univers pourtant très fantaisiste.Une carrière télévisée discrète mais durableÀ la télévision, Phil Fondacaro apparaît dans de nombreuses séries, souvent pour des épisodes uniques mais marquants. On le croise notamment dans Touched by an Angel, CSI, Sabrina the Teenage Witch, ou encore Buffy the Vampire Slayer, où il incarne un démon musicien dans l’épisode musical culte Once More, with Feeling. Une performance brève mais impeccable, à l’image de son travail d’acteur : précis, original, et souvent inattendu.Il est également connu pour son rôle régulier dans la série The Charmings, dans les années 80, où il joue Luther, un serviteur sarcastique et attachant. Ce type de personnage, à la frontière entre la caricature et l’élément comique de l’histoire, lui sied particulièrement. Il y apporte une touche d’ironie, tout en évitant la moquerie facile.Un acteur engagé dans ses rôles, loin des clichésCe qui caractérise Phil Fondacaro, au-delà de sa filmographie, c’est sa manière de ne pas se laisser enfermer dans un seul type de personnage. Certes, à Hollywood, les acteurs atteints de nanisme sont souvent limités à des rôles très codés, lutins, créatures, figures comiques, mais Phil Fondacaro a su sortir de cette case en acceptant des rôles plus profonds dès que l’occasion se présentait.Il revendique depuis longtemps son désir d’être vu comme un acteur à part entière, pas seulement comme un « acteur de petite taille ». Et à travers certains rôles plus dramatiques, il a montré qu’il pouvait porter des scènes émotionnellement complexes, parfois bien plus que des acteurs bien plus exposés que lui. Son jeu repose souvent sur la retenue, l’intensité silencieuse, et une vraie capacité à capter l’attention sans artifice.Une figure culte du cinéma de genre, respectée par ses pairsPhil Fondacaro est aujourd’hui considéré comme une figure respectée du cinéma de genre. Il participe à de nombreux festivals, conventions et événements liés à la culture geek, où il est salué autant pour sa longévité que pour sa polyvalence. Il incarne cette génération d’acteurs de genre qui ont su traverser les décennies sans jamais vraiment disparaître, grâce à un talent discret mais constant.Son nom est souvent cité aux côtés d’autres acteurs emblématiques de ces univers marginaux mais passionnés, ceux où la fidélité du public compte autant que les récompenses. Et si Phil Fondacaro n’a jamais couru après les honneurs, il n’en reste pas moins l’un des acteurs les plus attachants de son registre.Avec sa voix grave, son regard intense, et sa manière unique d’habiter l’écran, Phil Fondacaro continue de rappeler, film après film, que le talent n’a ni taille standard ni trajectoire prévisible. Et c’est peut-être ça, au fond, la plus belle de ses réussites.

Florence Foresti · 53 ans

Florence Foresti est née le 8 novembre 1973 à Vénissieux, dans la banlieue lyonnaise, en France. Humoriste, actrice et auteure, elle s’est imposée comme une figure incontournable de la scène comique française, notamment grâce à son énergie débordante, son sens de l’observation acéré et son art de croquer les travers du quotidien avec un mélange unique d’autodérision et de finesse.Si son accent lyonnais s’est fait plus discret au fil des années, Florence Foresti a toujours revendiqué ses origines et son parcours atypique, loin des circuits traditionnels. Elle n’est pas issue d’une grande école d’art dramatique, mais d’une vie professionnelle « normale » qu’elle a très vite désertée, animée par une envie tenace de faire rire.Débuts sur scène et percée dans l’humour téléviséAvant de remplir les plus grandes salles, Florence Foresti a connu les petites scènes lyonnaises, souvent devant des publics clairsemés, mais déjà conquis par son humour tranchant. Le tournant décisif arrive au début des années 2000, lorsqu’elle est repérée par la télévision. Sa participation à 20h10 pétantes, puis surtout à On a tout essayé aux côtés de Laurent Ruquier, marque un vrai changement de dimension. Elle y incarne des personnages loufoques, souvent très bien documentés, entre satire sociale et caricature bien sentie. Le public découvre alors son style : vif, expressif, parfaitement rythmé, avec une gestuelle presque chorégraphiée.C’est aussi à cette époque que Florence Foresti affine un personnage qui lui collera longtemps à la peau : celui de la trentenaire urbaine, débordée, légèrement cynique, mais toujours attachante. Un rôle qu’elle manipule avec assez d’aisance pour le rendre universel sans tomber dans la caricature.Le succès sur scène : spectacles cultes et salles comblesLe théâtre et la scène restent le terrain de jeu favori de Florence Foresti. Elle y maîtrise l’art du one-woman show avec une précision millimétrée. Ses spectacles, comme Florence Foresti fait des sketches, Mother Fucker ou encore Foresti Party, rencontrent un succès massif. Ils mêlent stand-up pur, parodies, vidéos, jeux de lumières et parfois même des chorégraphies inattendues.Ce qui distingue Florence Foresti de nombreux autres humoristes, c’est sa capacité à aborder des thèmes très quotidiens, la maternité, le couple, les injonctions sociales, tout en gardant une grande exigence dans l’écriture. Elle ne se contente pas de faire rire, elle construit des portraits, elle souligne des absurdités, elle met en scène les contradictions de son époque.Avec Epilogue, elle propose un ton plus mature, plus introspectif aussi, sans pour autant renier ce qui fait sa marque de fabrique : un humour à la fois proche des gens et subtilement travaillé. Ce virage montre une évolution naturelle, sans rupture, qui continue de séduire un public fidèle.Cinéma, télévision, et présence médiatique mesuréeSi on retrouve Florence Foresti dans plusieurs films, son rapport au cinéma semble plus ponctuel que véritablement central. Elle apparaît dans Dikkenek, Hollywoo ou encore Barbecue, souvent dans des rôles où son humour naturel peut s’exprimer librement, sans forcément chercher à brouiller les pistes.Sa présence médiatique, elle, est choisie avec soin. Elle n’est pas du genre à multiplier les apparitions. Au contraire, Florence Foresti cultive une forme de rareté, préférant monter sur scène quand elle a vraiment quelque chose à dire plutôt que de céder aux sirènes de l’omniprésence. C’est peut-être aussi ce qui renforce son impact auprès du public.Sa prestation en tant que maîtresse de cérémonie des César a d’ailleurs illustré cette posture ambivalente : capable de prendre la lumière avec brio, mais pas prête à tout pour l’avoir. Une sorte d’équilibre délicat entre humour mordant et conscience des limites du système.Un regard affûté sur la société et une écriture toujours ciseléeLoin de se contenter de plaisanteries faciles ou de clichés, Florence Foresti inscrit ses textes dans une vraie réflexion sur les stéréotypes, la place des femmes dans la société, les injonctions contemporaines. Son humour peut être absurde, parfois décalé, mais il reste souvent ancré dans une réalité sociale palpable.Elle n’hésite pas à tourner en dérision les tendances du moment, les figures médiatiques, ou les travers de notre époque, avec un sens de l’observation qui fait mouche. Ce n’est pas un humour moralisateur, mais un humour qui interroge. Avec un sourire, certes, mais aussi un petit miroir tendu aux spectateurs.Et si elle a parfois été critiquée pour ses prises de position, Florence Foresti n’a jamais renié cette volonté de faire un humour personnel, à sa manière, quitte à bousculer ou à diviser.

Bruno Gunn · 58 ans

Bruno Gunn, né le 8 novembre 1968 à Canton, dans l’Ohio (États-Unis), est un acteur américain dont la carrière s’est construite autour de rôles solides, souvent secondaires mais toujours incarnés avec intensité. Avec sa carrure imposante, son regard déterminé et un jeu très physique, Bruno Gunn s’est taillé une place discrète mais respectée dans le paysage hollywoodien, en particulier dans des productions à grand spectacle ou des séries policières et dramatiques.Des débuts discrets à une carrière régulière à la télévisionLe parcours de Bruno Gunn ne suit pas le modèle classique de l’ascension fulgurante. Il a commencé par de petites apparitions, souvent dans des rôles sans nom, en incarnant des policiers, des gardiens ou des hommes de main. Des rôles exigeants physiquement, mais qui demandent aussi une vraie présence à l’écran. Et sur ce point, Bruno Gunn ne déçoit jamais.Sa filmographie télévisée comprend des participations à des séries à succès comme Prison Break, Sons of Anarchy, NCIS ou encore The Office, où il incarne Rick le concierge, dans un registre plus léger, prouvant qu’il peut aussi jouer la carte de l’humour pince-sans-rire. Ce genre d’apparitions lui vaut souvent les faveurs du public, même quand il ne reste à l’écran que quelques minutes.Son visage, reconnaissable entre mille, finit par devenir familier. Il s’installe alors dans cette catégorie d’acteurs dits “de caractère”, capables de donner du relief à un rôle mineur en quelques scènes seulement.Le rôle de Brutus dans Hunger Games : une exposition internationaleC’est en 2013, dans Hunger Games : L’Embrasement, que Bruno Gunn accède à une reconnaissance mondiale en incarnant Brutus, un ancien vainqueur brutal et redouté, sélectionné pour participer aux Jeux de l’Expiation. Le personnage est à la fois menaçant et impressionnant, et Bruno Gunn lui donne une présence physique puissante, sans trop en faire.Même s’il ne figure pas parmi les personnages principaux, son rôle reste marquant pour les fans de la saga. Il incarne à merveille ce type d’antagoniste silencieux, imposant par sa simple stature, sans avoir besoin d’enchaîner les dialogues. La franchise Hunger Games lui offre une visibilité que peu de seconds rôles connaissent, et cela contribue à renforcer sa position dans le monde du cinéma de genre.Un acteur à l’aise dans l’action, mais pas uniquementLa filmographie de Bruno Gunn penche souvent du côté de l’action ou du thriller, mais il n’est pas enfermé dans un seul registre. Il a tourné dans des comédies, des drames indépendants et même des productions à très petit budget. Ce qui ressort, c’est sa régularité et son engagement dans chacun de ses rôles, même les plus modestes.Il ne cherche pas à voler la vedette, mais à donner de l’épaisseur à l’univers dans lequel il évolue. En ce sens, Bruno Gunn joue un rôle clé dans la narration : celui de rendre crédible le monde qu’il habite à l’écran. Qu’il soit garde du corps, soldat, ou simple employé, il incarne toujours son personnage avec un mélange de sobriété et de puissance.Une notoriété confidentielle mais un respect bien installéIl faut le dire : Bruno Gunn n’est pas une star au sens hollywoodien du terme. Il ne fait pas la une des tabloïds, on ne le retrouve pas en couverture de magazines, et il n’alimente pas les réseaux sociaux de manière frénétique. Mais cela ne l’empêche pas de jouir d’une forme de notoriété plus discrète, presque “underground”, notamment auprès des cinéphiles et des fans de séries.Ce genre de carrière, en retrait mais constante, témoigne d’un professionnalisme rarement mis en lumière. Bruno Gunn appartient à cette catégorie d’acteurs qu’on reconnaît sans forcément connaître leur nom, mais qui sont indispensables à l’équilibre d’un casting. Ils apportent de la densité, de la crédibilité, et souvent ce petit quelque chose qui donne corps à une scène.