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Eric Kofi Abrefa · 39 ans

Eric Kofi Abrefa est un acteur britannique né à Londres et issu d’une famille d’origine ghanéenne. Formé au Royaume-Uni, il travaille au théâtre, au cinéma et dans les séries télévisées. Sa carrière comprend notamment le rôle de Lamar Silas dans BMF et celui d’Andre Simpson dans Supacell.Une formation britannique centrée sur l’interprétationEric Kofi Abrefa se forme d’abord à la BRIT School de Croydon, établissement spécialisé dans les arts du spectacle. Il poursuit son apprentissage au Royal Welsh College of Music & Drama de Cardiff, qui le cite parmi les anciens élèves de son département d’interprétation aux côtés d’acteurs issus de plusieurs générations de l’école.Cette formation précède ses premiers rôles professionnels à l’écran. Eric Kofi Abrefa apparaît dès 2006 dans Shoot the Messenger, où il interprète Yannek. Son activité se développe ensuite au sein de productions britanniques, avec des rôles ponctuels qui lui permettent de travailler aussi bien dans le drame contemporain que dans les séries policières.Le début de sa carrière comprend notamment des participations à The Bill et Law & Order: UK. Ces engagements télévisés accompagnent une activité scénique qui demeure présente au cours des années suivantes.Des rôles secondaires dans des productions internationalesLe cinéma américain lui apporte une première exposition importante avec Fury de David Ayer en 2014. Eric Kofi Abrefa y interprète un messager de compagnie dans ce film de guerre mené par Brad Pitt. IMDb classe encore Fury parmi les œuvres auxquelles son nom est le plus souvent associé.En 2016, il apparaît dans Snowden d’Oliver Stone sous les traits d’un garde affecté à un tunnel de la NSA. Deux ans plus tard, Eric Kofi Abrefa joue un mercenaire embarqué dans un hélicoptère dans Jurassic World: Fallen Kingdom. Ces personnages restent de dimensions limitées, mais l’inscrivent dans plusieurs productions internationales à forte diffusion.Son activité comprend aussi le jeu vidéo. Eric Kofi Abrefa participe à Battlefield 1, sorti en 2016, ajoutant le travail vocal à ses activités d’interprète devant la caméra et sur scène.Jean au National TheatreLe théâtre lui confie un rôle particulièrement développé en 2018 avec Julie, adaptation contemporaine de Mademoiselle Julie d’August Strindberg écrite par Polly Stenham. Dans la production mise en scène par Carrie Cracknell au National Theatre de Londres, Eric Kofi Abrefa interprète Jean face à Vanessa Kirby dans le rôle-titre et Thalissa Teixeira dans celui de Kristina.Les répétitions commencent le 16 avril 2018. Les documents conservés par le National Theatre montrent que Eric Kofi Abrefa et Vanessa Kirby travaillent dès la première semaine sur l’histoire personnelle de leurs personnages et sur les rapports sociaux qui structurent leur confrontation.La production ouvre au Lyttelton Theatre le 31 mai 2018 et se joue jusqu’au 8 septembre. Elle fait également l’objet d’une captation pour National Theatre Live, ce qui permet au spectacle d’être diffusé dans des salles hors du Royaume-Uni.Michael Billington relève dans sa critique pour The Guardian le travail d’Eric Kofi Abrefa sur l’ambivalence de Jean, partagé entre attirance et rejet à l’égard de Julie. Cette prestation constitue l’un de ses rôles scéniques les mieux documentés.Une présence accrue dans les séries britanniquesLa télévision lui donne parallèlement plusieurs personnages récurrents. Eric Kofi Abrefa interprète Danny dans Humans, série de science-fiction consacrée à une société où des androïdes humanoïdes sont employés dans la vie quotidienne. Il joue ensuite Noah Webster dans Harlots.En 2018, il tient le rôle de Wesley Ndoyo dans Informer. IMDb le crédite dans quatre épisodes de cette série britannique centrée sur un jeune homme contraint de devenir informateur pour la police antiterroriste.L’année suivante, Eric Kofi Abrefa apparaît dans Blue Story de Rapman sous les traits de Switcher. Le film, développé à partir de l’univers créé auparavant par Rapman sur YouTube, précède leur nouvelle collaboration quelques années plus tard sur Supacell.Lamar Silas dans BMFEn 2021, Eric Kofi Abrefa rejoint la distribution principale de BMF, série produite pour Starz et inspirée de l’histoire de Demetrius « Big Meech » Flenory et Terry « Southwest T » Flenory. Il y interprète Lamar Silas, adversaire des frères Flenory dans le Detroit des années 1980.Pour préparer le personnage, Eric Kofi Abrefa étudie l’histoire de la Black Mafia Family et le contexte de Detroit avec des documents transmis notamment par le créateur et showrunner Randy Huggins. Il explique également avoir travaillé l’accent local en s’appuyant sur une familiarité ancienne avec la télévision afro-américaine.Lamar occupe une place importante pendant les deux premières saisons. Eric Kofi Abrefa revient ensuite dans la quatrième saison en 2025, portant son total à vingt et un épisodes recensés par IMDb entre 2021 et 2025.Le rôle repose sur une transformation vocale particulièrement nette par rapport à l’accent londonien naturel de l’acteur. Dans les entretiens accordés pendant la diffusion de la première saison, Eric Kofi Abrefa détaille aussi le travail de documentation consacré à l’époque et au milieu criminel représenté par la série.Andre Simpson dans SupacellRapman retrouve Eric Kofi Abrefa pour Supacell, série britannique mise en ligne par Netflix en 2024. Le récit suit cinq habitants ordinaires du sud de Londres qui découvrent qu’ils possèdent des pouvoirs extraordinaires. Netflix crédite l’acteur parmi les principales vedettes aux côtés de Tosin Cole et Nadine Mills.Eric Kofi Abrefa interprète Andre Simpson, père confronté à des difficultés financières et familiales au moment où ses capacités surnaturelles apparaissent. Le quatrième épisode porte directement le prénom de son personnage et développe les décisions auxquelles Andre est confronté après la visite d’huissiers.La série compte six épisodes dans sa première saison et situe explicitement son intrigue dans le sud de Londres. Cette nouvelle collaboration avec Rapman donne à Eric Kofi Abrefa un rôle principal plusieurs années après son personnage secondaire de Switcher dans Blue Story.Des origines ghanéennes présentes dans son identité professionnelleEric Kofi Abrefa est né à Londres de parents ghanéens. Son agence de voix britannique Sue Terry Voices mentionne explicitement cette origine familiale et décrit son accent naturel comme londonien neutre.Le prénom Kofi, qu’il conserve dans son nom professionnel, est directement lié à cet héritage familial. Son parcours s’est néanmoins construit essentiellement dans les institutions et productions britanniques, depuis sa formation à Croydon et Cardiff jusqu’à ses rôles au National Theatre et dans des séries situées à Londres.

Dario Argento · 86 ans

Dario Argento, né le 7 septembre 1940 à Rome, Italie, est un réalisateur, scénariste, producteur et ancien critique de cinéma, reconnu comme l’un des grands noms du cinéma d’horreur européen, et l’un des architectes du giallo, ce sous-genre italien entre thriller, horreur et enquête visuelle ultra-stylisée.Sa filmographie est une plongée dans un univers onirique, baroque, souvent cauchemardesque, où les meurtres deviennent des chorégraphies visuelles et où le sang, loin d’être réaliste, devient presque une couleur primaire à part entière.Avec des films comme Suspiria, Deep Red, Tenebrae ou Opera, Dario Argento a redéfini les codes de l’horreur à l’italienne, tout en influençant durablement des générations de cinéastes à travers le monde, de John Carpenter à Guillermo del Toro, en passant par Gaspar Noé et Nicolas Winding Refn.Une entrée dans le cinéma par la critique et l’écritureAvant de passer derrière la caméra, Dario Argento est d’abord critique de cinéma pour le quotidien Paese Sera, dans les années 1960. Il se forme une solide culture cinéphile, nourrie de westerns, de films noirs américains, de cinéma d’épouvante classique et d’expressionnisme allemand. Cette base théorique nourrit son regard esthétique, très personnel, et l’oriente naturellement vers l’écriture de scénarios.Il coécrit notamment Il était une fois dans l’Ouest (1968) de Sergio Leone, preuve de sa proximité avec le western spaghetti et du sérieux avec lequel il est perçu très tôt dans le milieu du cinéma italien. Mais c’est en 1970 qu’il fait sa véritable entrée comme auteur-réalisateur, avec un film qui deviendra le point de départ d’une œuvre entière.L’Oiseau au plumage de cristal : acte fondateur du giallo moderneAvec L’Oiseau au plumage de cristal (L’uccello dalle piume di cristallo, 1970), Dario Argento signe un premier long-métrage qui rencontre un succès critique et public immédiat. Le film pose les bases de son style : meurtres stylisés, tueur ganté, enquêteur malgré lui, ambiance trouble, architecture oppressante, et surtout une attention quasi maniaque à la mise en scène.Ce film ouvre ce qu’on appellera la « trilogie animale », avec Le Chat à neuf queues et Quatre mouches de velours gris, trois thrillers à énigmes dans lesquels le spectateur, comme le héros, est toujours un peu aveugle, trompé par ses propres perceptions. Dario Argento transforme l’enquête en expérience sensorielle, et l’angoisse en pur spectacle visuel.Suspiria et l’entrée dans l’horreur surnaturelleEn 1977, Dario Argento change de registre avec Suspiria, son chef-d'œuvre incontesté et film emblématique du cinéma d’horreur. Abandonnant les codes stricts du giallo, il s’oriente vers le fantastique, le surnaturel, et une narration plus intuitive que logique. L’histoire d’une jeune danseuse qui découvre une école de ballet dirigée par une secte de sorcières devient, sous la caméra d’Argento, une expérience sensorielle totale.La photographie ultra-colorée signée Luciano Tovoli, la musique assourdissante de Goblin, les décors expressionnistes, les meurtres ritualisés... tout concourt à faire de Suspiria un cauchemar éveillé, qui déroute autant qu’il fascine. Le film influence des dizaines de cinéastes, et impose Dario Argento comme un esthète de la peur, plus intéressé par l’impact visuel que par la cohérence narrative.Il poursuivra cette veine avec Inferno (1980) et La Terza Madre (2007), formant une trilogie surnommée « Les Trois Mères », un triptyque baroque sur la sorcellerie, la douleur, et la décadence.Une œuvre marquée par l’obsession du regard et de la mise à mortTout au long de sa filmographie, Dario Argento développe une obsession récurrente pour le regard, les objets optiques (miroirs, jumelles, caméras, lunettes), et le rôle du spectateur comme témoin impuissant. Les meurtres dans ses films ne sont pas de simples actes violents, ce sont des mises en scène dans la mise en scène, des tableaux macabres où le cinéma devient lui-même complice du crime.Dans Tenebrae (1982), il va jusqu’à interroger sa propre responsabilité en tant qu’auteur de fictions violentes. Le film, méta, froid, lumineux, devient un miroir tordu tendu à ses critiques comme à ses fans. Dans Opera (1987), il oblige son héroïne à assister à des meurtres en fixant des aiguilles sous ses yeux, allégorie évidente de la position du spectateur forcé de regarder l’horreur. Ce jeu constant entre voyeurisme et culpabilité est au cœur de son cinéma.Une influence massive, au-delà du cinéma italienMême si le succès critique et commercial de Dario Argento décline dans les années 1990 et 2000, il reste une figure mythique du cinéma de genre, célébrée dans les festivals, étudiée dans les écoles de cinéma, et régulièrement citée par les plus grands. Des cinéastes comme Brian De Palma, Quentin Tarantino, David Fincher, ou James Wan ont tous reconnu l’influence directe ou indirecte de ses œuvres.Son style, immédiatement reconnaissable, continue d’être réinterprété, que ce soit dans les hommages explicites (comme le Suspiria de Luca Guadagnino en 2018) ou dans des formes plus diffuses, comme l’utilisation du son, de la couleur ou du montage dans les thrillers contemporains.

Baek Seung-chul · 56 ans

Baek Seung-chul, né le 7 septembre 1970, est un acteur sud-coréen. Il travaille au théâtre, au cinéma et à la télévision depuis le début des années 1990. Le théâtre comme point de départBaek Seung-chul commence sa carrière d’acteur en 1991 avec la pièce Sarang Cheongmunhoe, montée par la troupe Mirae au petit théâtre Elcanto de Myeong-dong, à Séoul. Cette première expérience ouvre une longue période consacrée principalement à la scène. En 2017, il comptait déjà vingt-sept années de pratique théâtrale et se présentait également comme auteur et metteur en scène. Le théâtre reste son principal terrain de travail pendant une grande partie de son parcours. Baek Seung-chul reçoit en 2016 un prix d’interprétation lors de la compétition de Séoul du premier Festival national coréen de théâtre pour son travail dans la pièce The Witch. Cette activité scénique précède nettement sa présence régulière au cinéma. Sa formation professionnelle se construit donc d’abord dans les compagnies et les salles de théâtre, avant que les tournages ne deviennent plus fréquents à partir des années 2000. Le passage vers le cinémaLe cinéma commence à occuper une place plus visible dans son activité avec The Windmill Palm Grove en 2005. Baek Seung-chul apparaît ensuite dans No Mercy for the Rude, puis dans The Yellow Sea de Na Hong-jin. Ces rôles restent secondaires et prolongent son activité théâtrale plutôt qu’ils ne la remplacent. Na Hong-jin le retrouve pour The Wailing. Baek Seung-chul y interprète l’un des hommes du village qui accompagnent Jong-goo, policier joué par Kwak Do-won. Le film sort en Corée du Sud en 2016 et est présenté la même année hors compétition au Festival de Cannes. Son parcours comprend ensuite des seconds rôles dans des productions aux registres variés. Il joue notamment dans The Witch: Part 1, The Subversion, Svaha: The Sixth Finger et The 8th Night, où son apparence et son jeu sont régulièrement utilisés pour des personnages liés au monde rural, à la religion ou à des fonctions d’autorité. The Battleship Island et un rôle plus développéEn 2017, Ryoo Seung-wan confie à Baek Seung-chul un rôle plus important dans The Battleship Island. Il interprète un jeune marié coréen soumis au travail forcé sur l’île de Hashima pendant l’occupation japonaise. Le personnage perd une jambe au cours du récit tout en continuant à participer aux actions du groupe de travailleurs. L’obtention du rôle passe par une audition. Baek Seung-chul expliquera avoir d’abord cru à une plaisanterie lorsqu’il apprend qu’il a été retenu, le message lui étant parvenu un 1er avril. Il décrit alors ce personnage comme inhabituellement développé par rapport aux petits rôles qu’il avait jusque-là obtenus au cinéma. Cette expérience intervient après plus de deux décennies de théâtre. Elle lui permet de disposer à l’écran d’un personnage doté d’une véritable trajectoire narrative, alors qu’il avait lui-même comparé plusieurs de ses apparitions précédentes à un jeu de « cherche et trouve » tant ses rôles pouvaient être brefs. Une présence régulière dans les séries coréennesLa télévision devient elle aussi un domaine de travail fréquent. Baek Seung-chul apparaît dans des séries historiques et contemporaines, avec notamment des rôles dans Jeong Do-jeon et The Flower in Prison. Il interprète ensuite Ki Yong-sub dans Queen of Mystery 2 et Choi Young-jin dans The Running Mates: Human Rights. En 2020, il tient plusieurs rôles ponctuels dans des séries largement diffusées. Dans Crash Landing on You, Baek Seung-chul joue le capitaine d’un bateau dans les troisième et quatrième épisodes. Il apparaît également dans Itaewon Class et The King: Eternal Monarch. L’année suivante, il interprète Jang Hak-su dans Jirisan et participe à Navillera. En 2023, Baek Seung-chul joue Ban Hak-su dans See You in My 19th Life, père de Ban Ji-eum, personnage incarné par Shin Hye-sun. Des seconds rôles dans le cinéma coréen récentLe cinéma continue à lui confier des personnages de composition. Dans Night in Paradise, Baek Seung-chul joue le propriétaire d’une pension, tandis que Smugglers lui donne le rôle d’un marin. En 2024, il apparaît dans Badland Hunters comme employé d’une installation de filtration d’eau. La même année, Baek Seung-chul interprète le responsable d’un crématorium dans Exhuma de Jang Jae-hyun. Ce rôle l’inscrit dans l’une des principales réussites commerciales du cinéma sud-coréen de 2024, après sa participation antérieure à Svaha: The Sixth Finger, réalisé par le même cinéaste. Il rejoint également l’univers de Squid Game sous les traits de Kwon Byeong-su, joueur 047, dans la deuxième saison. Le personnage fait partie des participants au nouveau jeu organisé autour de Seong Gi-hun.

Susan Beaubian · 75 ans

Susan Beaubian, née un 7 septembre, est une actrice américaine. Son parcours professionnel commence sur les scènes de Broadway avant de se développer au cinéma, à la télévision et dans le doublage. Broadway et plusieurs années autour de DreamgirlsLa scène occupe une place importante dans les premières années professionnelles de Susan Beaubian. Elle apparaît à Broadway dès 1979 dans Eubie !, puis rejoint The Best Little Whorehouse in Texas, où elle interprète notamment Jewel. Ces engagements précèdent sa longue association avec Dreamgirls, comédie musicale créée par Tom Eyen et Henry Krieger sous la direction de Michael Bennett. Dans la production originale de Dreamgirls, Susan Beaubian devient remplaçante dans le rôle de Deena Jones et participe également aux ensembles « Les Style » et « The Stepp Sisters ». Elle est doublure de Michelle Morris, Lorrell Robinson et Deena Jones. La production originale se joue à l’Imperial Theatre entre décembre 1981 et août 1985. Son travail sur le spectacle se poursuit en tournée. Susan Beaubian interprète Joanne dans la production qui commence en octobre 1985, tout en assurant la doublure de Deena Jones. Lors de la reprise de Broadway en 1987, elle joue Michelle Morris et l’une des Stepp Sisters, avec de nouvelles fonctions de doublure pour Deena Jones et Lorrell Robinson. Le théâtre musical demeure ensuite présent dans son parcours. En 2001, Susan Beaubian revient à Broadway dans la reprise de Kiss Me, Kate, où elle interprète Hattie. Cette participation intervient plus de vingt ans après ses débuts documentés dans Eubie !. Corrine dans La Couleur pourpreLe cinéma donne à Susan Beaubian l’un de ses premiers rôles identifiés en 1985 avec La Couleur pourpre de Steven Spielberg. Elle y interprète Corrine. L’American Film Institute conserve ce crédit parmi les quatre longs métrages de sa filmographie couverts par son catalogue. Trois ans plus tard, Susan Beaubian joue Mrs. Nordberg dans Y a-t-il un flic pour sauver la reine ?. Elle interprète l’épouse du personnage joué par O. J. Simpson dans la comédie réalisée par David Zucker. Ce rôle constitue l’un de ses crédits cinématographiques les plus régulièrement mentionnés avec La Couleur pourpre. Son travail au cinéma comprend aussi le rôle d’une chanteuse dans Bodies, Rest & Motion en 1993, puis celui de l’infirmière d’Annie dans Le Père de la mariée 2 en 1995. En 2007, Susan Beaubian apparaît dans Norbit sous les traits d’une commerçante. Des personnages récurrents à la télévisionLa télévision devient particulièrement régulière à partir des années 1990. Susan Beaubian apparaît notamment dans La Vie de famille sous les traits de Loretta, puis interprète le docteur Turtle dans deux épisodes de Sauvés par le gong. Elle joue ensuite une guichetière dans Seinfeld et le docteur Weiss dans Urgences. Entre 2005 et 2007, Susan Beaubian tient l’un de ses rôles télévisés les plus durables dans Numb3rs. Elle y apparaît dans neuf épisodes sous différentes désignations liées au même environnement professionnel, notamment Agent Stendhauser et technicienne informatique du FBI. En 2016, elle interprète Armanda Cooley dans sept épisodes de la première saison d’American Crime Story. Le personnage appartient au jury du procès d’O. J. Simpson, près de trois décennies après que Susan Beaubian avait joué l’épouse du personnage interprété par Simpson dans Y a-t-il un flic pour sauver la reine ?. La suite de son activité comprend notamment la juge Willa Frost dans deux épisodes d’Esprits criminels. Susan Beaubian apparaît également dans Insecure sous plusieurs identités secondaires et interprète une directrice d’établissement dans trois épisodes de Forever en 2025. Mariah Crawford dans Spider-ManLe doublage lui confie un personnage récurrent au milieu des années 1990. Susan Beaubian prête sa voix au docteur Mariah Crawford dans Spider-Man: The Animated Series, notamment dans les épisodes consacrés à Kraven le Chasseur. Elle interprète aussi Calypso dans cette même série. Les crédits regroupent ainsi sous la voix de Susan Beaubian les identités de Mariah Crawford et Calypso sur plusieurs épisodes diffusés entre 1995 et 1997. Cette activité vocale intervient après ses années de théâtre musical à Broadway et pendant une période où ses apparitions télévisées deviennent plus fréquentes. Les crédits documentés de Susan Beaubian couvrent ainsi plusieurs décennies, depuis Eubie ! en 1979 jusqu’à ses rôles télévisés des années 2020.

Corbin Bernsen · 72 ans

Né le 7 septembre 1954 à North Hollywood, en Californie, Corbin Bernsen est un acteur, réalisateur et scénariste américain dont le visage est familier à des générations de téléspectateurs. Souvent associé au rôle d’avocat élégant et rusé, il s’est aussi illustré dans des registres plus légers, voire franchement comiques, tout en développant au fil du temps une carrière parallèle derrière la caméra. Fils de l’actrice Jeanne Cooper, star du soap Les Feux de l’amour, Corbin Bernsen n’est pas tombé bien loin de l’arbre, mais il a su, très tôt, cultiver sa propre trajectoire.L.A. Law : le rôle qui a propulsé Corbin Bernsen au rang de vedetteC’est dans les années 1980 que Corbin Bernsen se fait connaître du grand public grâce à son rôle de Arnie Becker dans la série L.A. Law (La Loi de Los Angeles). Il y campe un avocat sûr de lui, charmeur, parfois cynique, mais toujours redoutablement efficace. Le personnage devient emblématique de cette série à succès qui mêle affaires judiciaires et vie privée de ses protagonistes avec une efficacité redoutable.Le rôle vaut à Corbin Bernsen plusieurs nominations aux Golden Globes et aux Emmy Awards, et il devient rapidement un visage incontournable du petit écran américain. Son interprétation d’Arnie Becker marque durablement les esprits et contribue à redéfinir l’image de l’avocat de série télé : moins rigide, plus humain, et franchement charismatique.Une transition fluide vers le cinéma, entre humour et autodérisionFort de sa notoriété télévisuelle, Corbin Bernsen enchaîne avec quelques rôles au cinéma, souvent dans des comédies. On le retrouve notamment dans la série de films Major League, où il incarne Roger Dorn, un joueur de baseball arrogant et égocentrique, qui passe plus de temps à soigner son image qu’à défendre son équipe. Ces rôles mettent en avant son sens du timing comique et sa capacité à jouer des personnages détestables… mais attachants malgré tout.Durant les années 1990, il multiplie les apparitions dans des films ou téléfilms, parfois dans des rôles plus sombres ou plus sérieux, mais en gardant ce ton légèrement ironique qui est devenu sa marque de fabrique.Psych, soap operas et retour à la télévisionÀ partir des années 2000, Corbin Bernsen revient plus fortement à la télévision, où il se sent manifestement chez lui. Il apparaît dans de nombreuses séries comme JAG, The West Wing, ou Boston Legal, souvent dans des rôles de soutien solides. Mais c’est surtout dans Psych qu’il retrouve un rôle marquant, en incarnant Henry Spencer, le père du protagoniste principal. Ancien flic à la discipline militaire, il forme un duo savoureux avec son fils, entre exaspération paternelle et affection maladroite. Un rôle plus sobre, mais chargé d’une vraie tendresse, qui montre une autre facette de son jeu.Il fait aussi plusieurs apparitions dans Les Feux de l’amour, là où sa mère, Jeanne Cooper, a tenu l’un des rôles principaux pendant des décennies. Une sorte de retour aux sources, teinté d’émotion et de continuité familiale.Corbin Bernsen, derrière la caméra : réalisations personnelles et films indépendantsAu-delà de ses rôles d’acteur, Corbin Bernsen s’investit de plus en plus dans la production et la réalisation. Il fonde sa propre société de production, Home Theater Films, avec laquelle il développe des projets indépendants, souvent à petit budget, et parfois inspirés de thèmes spirituels, familiaux ou sociaux.Il réalise plusieurs films, comme Rust (2010) ou 25 Hill, qui témoignent d’une volonté de raconter des histoires plus personnelles, loin des circuits habituels d’Hollywood. Ce volet plus intime de sa carrière montre un Corbin Bernsen attentif aux récits simples, humains, et souvent porteurs d’un message. Une orientation qui le distingue de nombreux acteurs de sa génération restés dans les sentiers battus.

Andy Bradford · 82 ans

Andy Bradford, né le 7 septembre 1944 à Cambridge, en Angleterre, est un acteur, cascadeur et coordinateur de cascades britannique. Après environ dix-sept années consacrées principalement au jeu au théâtre, au cinéma et à la télévision, il développe à partir du milieu des années 1970 une seconde carrière centrée sur les cascades. Dix-sept années d’acteur avant les cascadesLa carrière d’acteur d’Andy Bradford commence dans les années 1960. Il apparaît notamment dans The Family Way en 1966 et dans Alfred the Great en 1969. La télévision britannique lui confie parallèlement de nombreux rôles, souvent associés à des personnages demandant une présence physique marquée. En 1970, Andy Bradford interprète Rob dans Robin Redbreast, téléfilm de la collection Play for Today écrit par John Bowen et produit par la BBC. Diffusée le 10 décembre 1970, cette œuvre fantastique rurale lui donne un rôle identifié plusieurs années avant son orientation vers les métiers de cascade. Son activité devant la caméra se poursuit ensuite dans différentes séries britanniques. Andy Bradford travaille notamment sur Z Cars, Special Branch et The Protectors. Au milieu des années 1970, son aptitude aux rôles physiques l’amène à intégrer plus régulièrement les équipes de cascades. Le passage aux cascades avec The Eagle Has Landed et Star WarsEn 1976, Andy Bradford développe véritablement cette nouvelle branche de sa carrière en travaillant sur The Eagle Has Landed puis sur Star Wars. Dans le premier épisode de la saga de George Lucas, il participe aux cascades et apparaît également à l’écran dans le rôle de Tanbris, officier impérial présent à bord de l’Étoile de la Mort. Les années suivantes l’emploient régulièrement comme cascadeur ou doublure principale. Andy Bradford intervient notamment sur Highlander et The Princess Bride. Pour ce dernier film, réalisé par Rob Reiner en 1987, il figure officiellement dans l’équipe de cascadeurs placée sous la coordination de Peter Diamond. Cette spécialisation ne met pas fin à son activité d’acteur. Andy Bradford continue à accepter des personnages secondaires lorsque leur dimension physique correspond à son expérience, comme le Hawkman qu’il interprète dans Flash Gordon en 1980. L’agent 009 dans OctopussyLa franchise James Bond fait appel à Andy Bradford dès Rien que pour vos yeux, sorti en 1981, où il participe aux cascades. Deux ans plus tard, il travaille à nouveau dans cet univers et obtient cette fois un rôle nommé dans Octopussy. Dans le film de John Glen, Andy Bradford incarne l’agent 009. Le personnage apparaît dès le début du récit, poursuivi par les jumeaux lanceurs de couteaux Mischka et Grischka après s’être emparé d’un faux œuf de Fabergé. L’American Film Institute le crédite officiellement dans ce rôle aux côtés de Roger Moore et Maud Adams. La même année, Andy Bradford participe comme cascadeur à Jamais plus jamais, production de James Bond extérieure à la série Eon. Son travail dans Octopussy réunit ainsi dans un même film ses deux compétences professionnelles, l’interprétation et la performance physique. De cascadeur à coordinateurAvec l’expérience, Andy Bradford prend en charge la coordination des cascades sur des productions complètes. En 1998, il occupe cette fonction sur Vieilles Canailles (Waking Ned Devine), où il supervise une équipe comprenant notamment Stuart Clark et Richard Hammatt. La télévision lui confie également cette responsabilité. Sur la minisérie Gormenghast, diffusée en 2000, Andy Bradford est crédité comme coordinateur des cascades au sein d’une importante équipe technique réunie autour de l’adaptation des romans de Mervyn Peake. Cette activité se prolonge pendant les années 2010. Andy Bradford coordonne notamment les cascades de plusieurs épisodes de Law & Order: UK, dont « Tick Tock » et « Haunted » en 2011. Son parcours professionnel compte ainsi plusieurs décennies de travail physique devant la caméra avant une longue période consacrée à l’organisation et à la sécurité des séquences d’action.

Doug Bradley · 72 ans

Doug Bradley est né le 7 septembre 1954 à Liverpool, au Royaume-Uni. Acteur britannique avant tout reconnu pour ses rôles dans le cinéma d’horreur, Doug Bradley est indissociable d’un personnage devenu culte : celui de Pinhead, le leader des Cénobites dans la saga Hellraiser. Derrière ce masque clouté et cette voix grave qui a hanté des générations de spectateurs, se cache pourtant un acteur de théâtre passionné, à la carrière aussi discrète que fidèle à ses racines.Des débuts sur les planches à l’univers de Clive BarkerAvant de devenir une icône de l’horreur, Doug Bradley s’est formé au théâtre, où il a rencontré Clive Barker, futur auteur et réalisateur de Hellraiser. Les deux hommes sont restés proches, développant une collaboration artistique durable. Ce lien personnel fort n’est pas anodin, car c’est justement cette amitié qui a permis à Doug Bradley d’être associé dès le départ à l’univers singulier et torturé de Barker. Avant même Hellraiser, les deux compères avaient déjà expérimenté des formes de théâtre et d’expression artistique plutôt avant-gardistes pour l’époque.C’est donc naturellement que Clive Barker lui confie le rôle du chef des Cénobites dans Hellraiser, sorti en 1987. Le personnage de Pinhead n’était pourtant pas censé dominer le récit à l’origine. Mais la performance glaçante de Doug Bradley, alliée à une esthétique visuelle marquante, en ont rapidement fait le visage emblématique de la franchise.L'héritage durable de Pinhead dans la culture de l’horreurSi Doug Bradley reste principalement associé à Hellraiser, c’est parce qu’il a incarné Pinhead dans huit des dix films de la franchise, ce qui est plutôt rare dans le cinéma de genre. Ce long compagnonnage a permis au personnage de gagner en profondeur au fil du temps, évoluant d’une simple entité maléfique à une figure plus complexe, presque tragique par instants. Il est aussi l’un des rares antagonistes de l’horreur à avoir gagné une sorte de respect chez les fans, moins pour ses meurtres que pour son code quasi-philosophique basé sur le plaisir et la douleur.Le rôle a aussi exigé une sacrée endurance. Il fallait parfois plus de six heures de maquillage pour donner vie à Pinhead, un processus que Doug Bradley a enduré sans se plaindre pendant des années, avec une régularité qui force le respect. Malgré la lourdeur du costume et les contraintes techniques, il a su incarner le personnage avec une sobriété et une autorité qui ont marqué toute une génération de cinéphiles.Une carrière discrète mais cohérenteEn dehors de Hellraiser, Doug Bradley n’a jamais vraiment cherché à s’imposer à Hollywood, préférant des projets plus modestes, souvent dans le circuit indépendant ou dans le registre de l’horreur. On le retrouve dans quelques autres films de genre comme Nightbreed (également tiré d’un roman de Clive Barker) ou encore dans Book of Blood. Il a aussi prêté sa voix à plusieurs projets, que ce soit dans des livres audio, des documentaires, ou même des jeux vidéo.Sa filmographie reste étroitement liée à l’horreur, ce qui n’est pas forcément un enfermement, mais plutôt une spécialisation pleinement assumée. Doug Bradley est régulièrement invité dans des conventions dédiées au cinéma de genre, où il garde une grande popularité auprès des fans. Il est aussi intervenu dans des documentaires ou ouvrages consacrés à la culture horrifique, partageant avec clarté et humilité son expérience unique dans le métier.Un comédien fidèle à son universContrairement à d’autres acteurs de films d’horreur qui ont tenté de se distancer de leurs rôles emblématiques, Doug Bradley a toujours revendiqué avec fierté son parcours dans le genre. Il ne renie ni le personnage de Pinhead, ni l’univers souvent dérangeant de Hellraiser. Au contraire, il en parle comme d’une œuvre philosophique, bien plus complexe qu’il n’y paraît, explorant des thématiques comme le désir, la transgression ou les limites du corps humain.Avec le temps, Doug Bradley est devenu une figure respectée, presque culte, dans le cercle fermé des légendes de l’horreur, aux côtés de noms comme Robert Englund (Freddy Krueger) ou Tony Todd (Candyman). Sa contribution ne se mesure pas tant au nombre de films qu’à l’impact durable de son interprétation.Et puis, soyons honnêtes, réussir à rendre un personnage aussi improbable qu’un démon sadomasochiste criblé de clous à la fois effrayant et fascinant, ça demande un certain talent. Et beaucoup de patience.

Amanda Bright · 43 ans

Amanda Bright, née le 7 septembre 1983 à Detroit, dans le Michigan, est une actrice américaine. Son activité à l’écran est principalement documentée entre la fin des années 2000 et le début des années 2010, dans plusieurs productions tournées au Michigan. Des premiers rôles dans le cinéma indépendantEn 2008, Amanda Bright interprète Sara dans Little Red Devil, film d’horreur réalisé par Tommy Brunswick. Le long métrage réunit notamment Daniel Baldwin, James Russo et Dee Wallace. Ce rôle constitue son premier crédit cinématographique clairement identifié dans les bases consacrées à sa carrière. Elle apparaît ensuite dans American Virgin, sorti en 2009. Le film est tourné en partie à Detroit et à Ann Arbor, notamment sur le campus de l’université du Michigan. Amanda Bright y tient un rôle secondaire. Une activité liée aux tournages du MichiganLe développement de la production cinématographique dans le Michigan au tournant des années 2010 accompagne plusieurs engagements de Amanda Bright. Elle apparaît sans être créditée dans High School, où elle joue une lycéenne. La distribution officielle de The Movie Database la recense parmi les nombreux seconds rôles de cette comédie réalisée par John Stalberg Jr. En 2011, elle participe à S.W.A.T.: Firefight sous les traits de « L.A. Girl #2 ». Le film est pourtant tourné à Detroit, où le réalisateur Benny Boom utilise plusieurs quartiers et banlieues de la ville pour représenter Los Angeles. La même année, Amanda Bright apparaît dans Street Kings 2: Motor City. Le film est entièrement situé à Detroit et son tournage se déroule dans la ville pendant quarante-neuf jours. Elle y interprète un personnage secondaire. Real Steel et les productions de studioToujours en 2011, Amanda Bright participe à Real Steel de Shawn Levy dans le rôle non crédité de la compagne de Ricky, personnage interprété par Kevin Durand. The Movie Database la mentionne explicitement dans la distribution sous l’intitulé « Ricky’s Girl ». Le tournage de Real Steel se déroule largement dans le Michigan. Plusieurs séquences sont réalisées à Detroit, notamment au Cobo Arena, au Renaissance Center et dans l’ancien zoo de Belle Isle. Amanda Bright, originaire de Detroit, travaille ainsi sur une production hollywoodienne utilisant directement sa région natale comme principal territoire de tournage. Hostel: Part III et les derniers crédits documentésDans Hostel: Part III, réalisé par Scott Spiegel et sorti en 2011, Amanda Bright interprète une joueuse participant aux scènes liées à l’Elite Hunting Club. Elle figure dans la distribution officielle du film parmi les personnages présents dans cet environnement. L’année suivante, elle apparaît dans Red Dawn, remake du film de 1984, sous les traits d’une femme dans un bar. Le tournage débute en septembre 2009 dans le Michigan et utilise notamment Detroit, Pontiac, Royal Oak et Mount Clemens. Cette même période comprend une apparition non créditée dans LOL. Les crédits disponibles situent ainsi l’essentiel de l’activité connue de Amanda Bright entre 2008 et 2012, avec une concentration remarquable de productions tournées dans le Michigan.

Mary Bronstein · 47 ans

Mary Bronstein, née Mary Wall le 7 septembre 1979 à White Plains, dans l’État de New York, est une réalisatrice, scénariste et actrice américaine. Formée à la Tisch School of the Arts de l’université de New York, elle réalise Yeast en 2008 puis revient au long métrage avec If I Had Legs I’d Kick You en 2025. Une formation d’actrice avant la réalisationÀ dix-huit ans, Mary Bronstein entre à la Tisch School of the Arts de la New York University. Sa formation est d’abord consacrée au jeu d’acteur, compétence qu’elle continue d’utiliser lorsqu’elle passe derrière la caméra. En 2007, Mary Bronstein interprète Laura dans Frownland, premier long métrage réalisé par Ronald Bronstein, qu’elle a épousé l’année précédente. Le film est présenté au festival South by Southwest, où elle rencontre également Josh et Benny Safdie. Quelques mois plus tard, Josh Safdie participe au tournage de son premier long métrage comme cadreur. Yeast et une première réalisation indépendanteMary Bronstein écrit, réalise et interprète Yeast, présenté en 2008 au festival South by Southwest. Elle y joue Rachel aux côtés de Greta Gerwig et Amy Judd. Le film suit des relations d’amitié particulièrement conflictuelles entre de jeunes femmes vivant à Brooklyn. La première projection à South by Southwest laisse à Mary Bronstein le souvenir d’un accueil hostile. Elle racontera plus tard avoir perçu cette réception comme le signe qu’elle n’avait pas de place dans le milieu où elle venait d’entrer. Elle ne réalise pas immédiatement un deuxième long métrage et s’éloigne durablement de la mise en scène cinématographique. Durant cette période, elle continue toutefois à écrire. Mary Bronstein travaille sur des scénarios et des projets pour la télévision qui ne sont pas produits, tout en étant rémunérée pour certains de ces travaux. Elle poursuit également deux formations universitaires supérieures, l’une en psychologie et l’autre dans un domaine spécialisé auprès d’enfants malades ou handicapés. Le travail auprès d’enfants et le retour à l’écritureAprès Yeast, Mary Bronstein exerce pendant plusieurs années dans les hôpitaux publics de New York. Elle participe ensuite avec une amie à la gestion d’une petite structure préscolaire à Williamsburg. Ces activités prennent place pendant une période où elle élève également sa fille. Une maladie grave de son enfant modifie ensuite son quotidien. Mary Bronstein accompagne sa fille, alors âgée d’environ sept ans, à San Diego pour un traitement médical et vit avec elle dans une petite chambre de motel pendant cette période. Son mari, le scénariste et réalisateur Ronald Bronstein, reste alors à New York. C’est pendant ce séjour que Mary Bronstein commence à écrire If I Had Legs I’d Kick You. Elle travaille sur le scénario pendant environ deux ans, puis passe plusieurs années à chercher une structure susceptible de produire le film. A24 finit par accompagner le projet. If I Had Legs I’d Kick You, dix-sept ans après YeastPrésenté au Festival de Sundance en 2025, If I Had Legs I’d Kick You constitue le deuxième long métrage de Mary Bronstein comme réalisatrice, dix-sept ans après Yeast. Rose Byrne y interprète Linda, thérapeute et mère confrontée à la maladie de sa fille, à l’absence prolongée de son mari et à l’effondrement matériel de son appartement. Le point de départ du film reprend directement certaines circonstances vécues par Mary Bronstein pendant la maladie de sa propre fille, sans faire de Linda une reproduction biographique exacte de la réalisatrice. Bronstein centre le récit sur l’expérience intérieure de la mère et sur la pression continue du soin apporté à l’enfant. Rose Byrne tient le rôle principal, tandis que Conan O’Brien interprète le thérapeute de Linda et A$AP Rocky un employé du motel où elle séjourne. Mary Bronstein apparaît elle-même dans le film sous les traits du docteur Spring. Une activité d’écriture poursuivie pendant l’interruption entre les deux filmsLes dix-sept années séparant ses deux longs métrages ne correspondent pas à une cessation complète de son activité artistique. Mary Bronstein continue à écrire pendant cette période et développe plusieurs scénarios, projets télévisés et propositions professionnelles restés sans production. Elle décrit elle-même l’écriture comme une activité continue durant les années où elle n’est plus identifiée publiquement comme réalisatrice. Son retour avec If I Had Legs I’d Kick You s’appuie ainsi sur une pratique d’écriture maintenue parallèlement à ses études de psychologie, à son travail dans les hôpitaux new-yorkais et à son expérience de mère. Le film reprend comme origine précise la période passée avec sa fille à San Diego, lorsque Mary Bronstein recommence à envisager la réalisation comme son activité artistique principale.

W. Earl Brown · 63 ans

William Earl Brown, connu professionnellement sous le nom de W. Earl Brown, est né le 7 septembre 1963 à Murray, dans le Kentucky (États-Unis). Acteur, scénariste et parfois musicien, W. Earl Brown fait partie de ces artistes qu’on a tous vus quelque part, sans toujours se souvenir de son nom, mais dont la présence solide et authentique laisse une impression durable. Sa carrière, à cheval entre cinéma indépendant, séries de prestige et blockbusters occasionnels, s’appuie sur une force tranquille, un naturel à toute épreuve et un amour évident pour les personnages vrais, souvent cabossés par la vie.De la scène universitaire aux plateaux de tournageIssu d’un milieu modeste, W. Earl Brown étudie d’abord au Murray State University, avant de décrocher un Master en théâtre à la DePaul University de Chicago. Il commence par jouer sur scène, dans des productions locales, où il se forge une méthode de jeu ancrée dans le réalisme émotionnel, loin des exagérations hollywoodiennes.Ses premiers rôles à l’écran datent du début des années 1990. Il apparaît dans des séries comme Seinfeld ou Murder, She Wrote, avant de se faire remarquer au cinéma dans des petits rôles souvent marquants. Très vite, les réalisateurs repèrent chez lui une authenticité brute, parfaite pour incarner des personnages secondaires mais essentiels : policiers, criminels, hommes de terrain, parfois tendres, souvent rugueux.Deadwood : le rôle pivot de Dan DorityC’est en 2004 que W. Earl Brown se révèle au grand public grâce à la série Deadwood, diffusée sur HBO. Il y incarne Dan Dority, bras droit de l’implacable Al Swearengen, dans un western crasseux, violent et profondément humain. Ce rôle, sans doute le plus marquant de sa carrière, lui permet d’exprimer toute la complexité émotionnelle d’un personnage à la fois loyal, brutal et rongé par ses contradictions.Sous ses dehors de tueur silencieux, Dan est un homme tourmenté, parfois dépassé par la violence du monde qui l’entoure. W. Earl Brown joue ces nuances avec une intensité discrète, donnant au personnage une profondeur inattendue. La série, saluée pour sa langue fleuve et sa représentation sans fard du Far West, bénéficie largement de son interprétation, qui lui vaut une reconnaissance durable parmi les fans de séries exigeantes.Il reprend d’ailleurs ce rôle dans Deadwood: The Movie (2019), conclusion tardive et poignante de la série, où Dan Dority est toujours aussi imposant, mais peut-être un peu plus usé, plus mélancolique.Un visage familier du cinéma américainAu cinéma, W. Earl Brown a également marqué les esprits dans des films très différents. Il joue Kenny dans There's Something About Mary (1998), un rôle aussi excentrique que touchant, preuve de son aisance dans la comédie absurde, mais jamais gratuite. Il apparaît aussi dans Scream (1996) en tant que cameraman, un rôle mineur mais mémorable, et dans des films comme Being John Malkovich, Vanilla Sky, The Master, ou encore Draft Day.Il est souvent utilisé pour son côté authentique, profondément humain, capable de donner vie à des personnages du quotidien, avec leurs failles, leur lassitude, et parfois leur violence contenue. Il peut aussi bien jouer le barman fatigué que le flic bourru ou le voisin un peu trop curieux.Écriture, musique, et fidélité aux racinesW. Earl Brown ne se contente pas d’interpréter les mots des autres. Il est aussi scénariste, notamment du film Bloodworth (2010), un drame familial avec Kris Kristofferson dans le rôle principal. Le film, adapté d’un roman, plonge dans une Amérique rurale marquée par les secrets, les non-dits, et les rapports familiaux douloureux, des thématiques qui lui sont chères, et qui résonnent avec ses origines dans le Kentucky.En parallèle, il est également musicien, membre du groupe de country-rock Sacred Cowboys, avec lequel il explore une Amérique musicale à l’image de ses rôles : rugueuse, ancrée, et sans fioritures.Malgré sa longue carrière, W. Earl Brown est toujours resté proche de ses racines, cultivant une image anti-star, préférant les projets authentiques à la reconnaissance tapageuse. Il participe régulièrement à des conférences, des podcasts ou des projets indépendants, où il partage sa vision du métier, souvent empreinte d’humilité et de lucidité.